È così vero che il prodotto di massa può nascere solo da una cultura di massa?
Quale rapporto esiste o dovrebbe esistere tra l’arte contemporanea e il consumo?
Oggi le imprese dialogano con le arti ma non sempre il confronto con l’arte contemporanea è semplice e diretto. Nonostante l’arte contemporanea interpreti il suo tempo con atteggiamenti a volte profetici, molto spesso l’artista è distante dal gusto della massa e con la sua attività si fa pioniere dell’apertura degli schemi cognitivi senza dare risposte compiute, ma spiazzando e aprendo al dubbio. Questa difficoltà, insita nel contemporaneo, porta a volte la stessa cultura corrente a distanziarsene come reazione e risposta di una società più conformista.
L’arte contemporanea fa parte di una cultura di élite sostenuta prevalentemente dagli addetti ai lavori, contrapposta a una cosiddetta cultura per tutti solitamente intesa come standardizzata, più rozza o addirittura come una sottocultura. Sottintesa all’idea di cultura di massa si trova quindi quell’idea di fruizione di massa che spinge alla produzione in serie, economica e commerciale. Interrogandosi quindi sul rapporto tra cultura d’élite e cultura di massa non si può fare a meno di domandarsi se il prototipo, creativo e unico per definizione, non venga in un certo senso ucciso con il passaggio alla produzione in serie. Sperimentale e commerciale possono coesistere? E se sì, con quali logiche?

Il primo dei relatori a contribuire alla discussione è Antonio Ricci. Il suo lavoro in televisione si basa su una produzione culturale in cui vanno inseriti costantemente significati simbolici; com’è possibile rinnovare il prodotto senza incorrere nello stereotipo negativo di una televisione che produce solamente una cultura di massa? La televisione ospita difficilmente la cultura, perché la caratteristica principale della cultura è il suo costruirsi attraverso un dibattito. La televisione è, invece, il “luogo del pregiudizio” in cui non c’è spazio per una conversazione. Nella creazione dei contenuti per i suoi programmi, Antonio Ricci dice di essersi sempre ispirato alla strada, come fonte non solo di notizie, ma di vera e propria conoscenza, contrariamente alla piazza con la sua retorica dalla quale si possono ricavare solo informazioni sommarie. Nonostante sia il successo dei numeri a concedergli la libertà necessaria per creare i contenuti dei suoi programmi, è sempre necessaria una mediazione per inserire la qualità singolare di una cultura più alta in un prodotto il cui fruitore è la massa, tenendo ovviamente conto che c’è massa e massa e che è sempre fondamentale non dare messaggi incoerenti a vari livelli.

Ramin Bahrami, musicista, ha una posizione lievemente diversa. La contemporaneità, dice, non può esistere se non si guarda al passato. Suonando musica classica, quasi prevalentemente Bach, in giro per il mondo, accompagnato da un successo unanime e incredibile, Bahrami sottolinea come la contemporaneità nella musica si ritrovi costantemente proprio per la sua capacità di connettersi con l’interiorità più profonda dell’uomo. È così che Bach può entrare nella top ten insieme a Lady Gaga. La musica non è mai lontana dalla massa, ma c’è necessità di sostenere la cultura e di lavorare soprattutto perché i giovani si avvicinino ad essa per conoscere, conoscersi e affrontare meglio passato e presente.

A riportare il discorso nell’ambito più pratico della produzione industriale ci pensa Carlo Guglielmi, Presidente di FontanaArte, proponendo il suo punto di vista riguardo alla possibilità di conciliare l’originalità del prototipo con la produzione industrializzata. Il punto principale riguarda l’adozione di una “logica della qualità”, in contrapposizione a una “logica della quantità” dominante nella modernità. Logica della qualità dal punto di vista imprenditoriale non significa rinunciare ai grandi numeri necessari al successo commerciale, bensì vuol dire attivare un dialogo e una comunicazione produttiva come base di una cultura del progetto che porti all’incontro tra l’intuizione culturale, il messaggio, e la velocità imprenditoriale, il mezzo. I numeri saranno conseguenza della qualità.

Alle stesse conclusioni, pur partendo da una storia imprenditoriale diversa, giunge Elena Miroglio, Executive Vice President di Miroglio Group. La creatività e il messaggio culturale sono stati inseriti nel Gruppo Miroglio in un tempo successivo su una tradizione consolidata di grande produzione manifatturiera. Il fenomeno omogeneizzante della globalizzazione ha reso necessaria una riflessione sulla necessità di recuperare l’originalità del prodotto; differenziarsi non vuol dire essere in contrasto con il mercato dei grandi numeri ma vuol dire offrire contenuti, caricare il prodotto di un messaggio valoriale che si trova osservando e rimanendo in contatto con la realtà, con il proprio contemporaneo, in modo quindi da facilitare quell’intuizione che è alla base del processo creativo. Importante a questo fine è, nel Gruppo Miroglio, creare situazioni di collaborazione tra professionisti e artisti soprattutto a scopo formativo; un’adeguata formazione interna e revisione dei processi creativi nel rapporto tra l’arte e l’azienda sono il vero contenuto da veicolare all’esterno, in contrapposizione con una comunicazione dell’immagine che da sola rischia di essere vuota.

Filo conduttore di tutta la discussione si rivela essere quindi il tema della comunicazione e del dialogo tra arte, contemporanea ed elitaria in certi versi, e aziende, orientate invece al consumo di massa. È attraverso questo dialogo che passa la ricerca del valore e del contenuto culturale che può in questo modo essere inserito in una produzione destinata a grandi numeri, sempre a patto che ci sia qualità, mestiere e una certa dose di creatività.

Silvia Giangiuliani

La seconda giornata di Art For Business Forum si è aperta con il seminario Residenze d’artista in azienda. I relatori si sono confrontati sui vantaggi che la presenza di un artista all’interno di un’azienda può generare.

Alvise Chevallard, presidente di Artegiovane, ci ha raccontato quanto sia importante costruire valore sul territorio tramite la relazione proficua che si può creare tra arte e impresa. L’idea che Artegiovane porta avanti è quella, infatti, di superare il concetto tradizionale di mecenatismo e sponsorizzazione (visto spesso sotto una luce esclusivamente economica) in un’ottica di formazione, di crescita, di coinvolgimento dell’impresa e dei dipendenti attraverso, ad esempio, incontri con artisti, visite guidate, creando un vero e proprio percorso formativo all’interno delle aziende proprio per far crescere la cultura dell’arte nel mondo dell’impresa .
Sergio Enrico Rossi ha preso la parola spiegando la scommessa della Camera di Commercio di Milano di intraprendere una collaborazione con gli artisti, che non si limita alla pura “rappresentazione” dell’arte ma consiste in un supporto più concreto ai processi di creazione dell’arte, in quanto solo dall’arte può svilupparsi creatività e, di conseguenza, quel circolo virtuoso e collaborativo con il mondo delle imprese. Rossi sottolinea come, pur essendo numerosissimi gli artisti presenti sul territorio, manchi un saldo collegamento tra il sistema dell’arte e il sistema delle imprese, collegamento che Camera di Commercio vuole contribuire a rafforzare.
Gli artisti Botto&Bruno hanno raccontato al Forum la loro esperienza in Ecotermica, dove sono intervenuti sulla facciata esterna dell’edificio. Alla base del loro progetto doveva esserci un forte legame col territorio, non mimetizzandosi, ma relazionandosi e dialogando con esso. Hanno così creato un racconto a bassorilievo in cui soprattutto i residenti erano in grado di individuare le architetture a loro familiari, ma che non potevano essere colte “a prima vista”, poiché modificate e decostruite. Il progetto ha instaurato un rapporto intimo con il pubblico, perché in grado di fornire uno sguardo in più per comprendere la realtà.
Ma qual è, invece, il punto di vista del committente di questo progetto? Com’è nata l’esigenza, l’urgenza di “chiamare in causa” gli artisti? Ce lo ha spiegato Maurizio Cassano, Direttore Generale di Ecotermica. Non si voleva un’azione calata dall’alto, ma integrata con il territorio. Un iniziale scetticismo ha lasciato spazio alla consapevolezza del valore aggiunto, in termini qualitativi, di questa operazione. Il coraggio è stato quello di coinvolgere fin da subito, nel percorso decisionale (culminato, poi, nella scelta di Botto&Bruno) il territorio, le associazioni, il sindaco e le amministrazioni pubbliche che si sono dimostrate, contrariamente ad ogni aspettativa, molto interessate e interattive.
È la volta di Catterina Seia, che ha spiegato come non sia sufficiente prendere gli artisti e inserirli nelle aziende per creare valore. «L’arte si sposa bene con le persone che amano il rischio» diceva giustamente Rothko, dal momento che l’utilizzo dell’arte comporta inevitabilmente l’avventurarsi in ambienti nuovi, diversi, estranei. Occorre che l’impresa si rivolga a professionisti i quali, a loro volta, danno vita a una progettualità che deve essere condivisa dall’esterno e dall’interno. Solo così un intervento artistico può diventare un’opportunità per creare cultura d’impresa, per interrogarsi, narrarsi e comunicare. È importante scegliere le persone giuste per il luogo giusto, avere chiari in mente i rischi e le opportunità. Se il progetto è puramente decorativo o estemporaneo rimane effimero, occorre consistenza.

Valeria Cantoni ha chiuso il seminario razionalizzando quanto emerso attraverso alcuni disegni. Per favorire l’ingresso di un’artista in un’azienda al fine di creare valore, è necessario abbattere il muro che automaticamente si viene a creare fra artista e dipendenti, stimolare il territorio, il pubblico, programmare una buona comunicazione interna prima che esterna. Gli strumenti necessari sono la fiducia reciproca, il commitment dall’alto, il coinvolgimento a tutti i livelli, la costruzione di un ambiente (fisico o virtuale) adeguato per accogliere l’artista e la chiarezza degli obiettivi. I risultati che la collaborazione tra artisti e impresa può generare sono il rafforzamento dell’identità aziendale, la creazione di un gruppo più coeso, la generazione di un forte impatto sull’ambiente e sui valori dell’impresa, e il miglioramento dei prodotti, dei processi e dei servizi.

Gisella Di Bari

“Il presente richiede attenzione, ascolto, cura, consapevolezza. Per riconoscere il cambiamento bisogna vincere la difficoltà di stare sul presente”.
Le parole di François Jullien ci giungono da una disciplina come la filosofia e richiedono pazienza e dedizione. Nel corso del dibattito del Forum si sono individuate tre parole che più di tutte si prestano a conciliare il rapporto arte-business: scarto, modello ed energia. Sarà su queste tre parole che la riflessione di Jullien si svilupperà.
I filosofi vengono originariamente dalla Grecia, ma si confrontano con la Cina. Il pensiero cinese invece è stato per molto tempo senza contatto con l’Europa, per questo ha potuto svilupparsi in modo sensibilmente differente. È importante agire sugli scarti tra le due culture. Scarto si è detto, non differenza; la differenza si inserisce in una dimensione sovrastante, per questo qui si parla di scarto il quale non implica questa presa di posizione. Il dialogo tra culture può davvero avvenire ora, perché l’Europa non è più in una posizione egemonica e questo le permette di riflettere più profondamente sul modo in cui dialogare, sui termini messi in discussione.

La domanda che ci poniamo a questo punto è: come si può gestire il presente in un modo strategico?
L’Europa storicamente ha risposto producendo, inventando e ragionando in termini di modellizzazione, cioè avendo un piano ben definito di azione strategica che fondava le sue basi teoriche nel “dover essere”. Questa concezione deriva dalla Grecia: “la strategia in vista della battaglia, la battaglia in vista della guerra, la guerra in vista del fine politico: la strategia dei fini”. In Cina la concezione della realtà è molto diversa, per prima cosa esiste una situazione che deve evolvere e giungere a maturazione; lo stratega cinese rileva da questa le opportunità, in modo naturale, dando la propria valutazione delle potenzialità della situazione, e solo sapendola sfruttare sapientemente in tutti i suoi aspetti giunge alla vittoria. Per questo il miglior generale è quello che fa il minor sforzo possibile, e le truppe che hanno maggior successo non dovrebbero nemmeno combattere.
La domanda che sorge è se la modellizzazione a questo punto non sia solo un fardello. Dobbiamo però ricordarci che è stata fondamentale per l’Europa, ed è grazie ad essa che è divenuta potente nel XIV e XV secolo; nello stesso periodo la Cina rallentava il suo cammino al progresso. L’Europa si è avvalsa inoltre della fecondità politica della modellizzazione, che ha un rapporto diretto con la democrazia. Lo si vede nella logica del programma elettorale: ci sono programmi politici che vengono discussi e che altro non sono che previsioni, modelli della volontà di trasformare il mondo, lo stato di cose, e che sono fonte di discussione.
La Cina di oggi si mobilita velocemente, e sempre più progressivamente dovrà ricorrere alla modellizzazione perché persegue un certo tipo di efficacia occidentale dell’applicare, dell’agire, del fare. Eppure la Cina è una civiltà che non ha conosciuto epopee, e una parola chiave del suo sistema mentale è “non agire”, l’agire è visto tradizionalmente come una forzatura. Tipica è invece una visione della trasformazione che ha un approccio globale e non individuale, in cui diversi fattori presenti nella situazione provocano insieme il cambiamento, dando così luogo a delle trasformazioni silenziose. Lo stratega cinese aspetta ad agire quando è sicuro della vittoria. Con questo riusciamo a spiegarci come è stato possibile il salto della Cina contemporanea, che non ha avuto una frattura e un brusco evento, ma ha camminato in modo discreto come un processo, affrontando un percorso in modo sordo, mentre il risultato è stato sonoro ed evidente per tutti.
Ad oggi il modo più maturo di porci davanti a questi scarti significanti è probabilmente quello di incrociare le due visioni sul problema del presente: modellizzazione, e conseguente mobilitazione, con la maturazione e proiezione dell’idealità e identificazione delle risorse.
L’accesso al presente è di per sé inconsistente: i Greci avevano già compreso che il presente è un punto di attraversamento, ed è problema da sempre molto dibattuto come dare consistenza a questo istante che fugge sempre tra il “già stato” e il “non ancora”. Eraclito parlava di coloro che non hanno accesso alla filosofia come di “presenti ma assenti”, sospesi in una sorta di limbo, di compromesso tra la presenza e l’assenza.
Vengono in mente, dice Jullien, quei turisti forniti di macchina fotografica tutti intenti a scattare, come volendo inscatolare la realtà, mettendola al riparo dal suo scorrere imprevedibile ed effimero; però così la scoperta viene meno e si è rassicurati dal fatto che si possa tornare a vedere dopo, un po’ come il registratore dello studente a lezione, che consente di essere forse meno attenti e vigili alle parole del professore in aula. La tecnica sembra in questi casi sparpagliare la nostra presenza.
Sempre Eraclito sosteneva che si pensa al presente non come lo si incontra, ma come lo si immagina, quindi come “sembra”, nella doxa: l’opinione.
Per accedere al presente appare chiaro che non bisogna rimandare, e non bisogna ridurre l’attenzione su ciò che in ogni momento accade e si manifesta; bisogna assumere l’incontro, non sostituirlo. Tendenzialmente viviamo nella media, nella doxa, come in una sorta di abitudine dove tutto è un po’ avvilito e sciupato. Per evitare questo appiattimento e spegnimento bisogna evitare la procrastinazione, ed anche la troppa familiarità che attutisce l’intensità di un avvenimento. Mantenere il presente perché non posso e non devo supporre di poter tornare nelle medesime condizioni.
Parallelamente bisogna accettare il consiglio della Cina, quindi imparare e accettare di differire. Differire significa essere fiduciosi dello sviluppo dei processi in corso, lasciare posto all’immanenza, cioè a ciò che sfugge; questo darà un frutto che non so nemmeno immaginare, e che neppure mi aspetto. Un po’ come quando si dice che “la notte porta consiglio”, così questo processo che sfugge a una vigile consapevolezza, agisce e lavora, portando le cose ad evolversi: durante la notte qualcosa infatti si è fatto strada in noi, ma lo si scopre solo la mattina.

In conclusione, dopo la discussione tra gli ospiti presenti, Jullien termina parlando dell’ultima parola chiave: energia, che rappresenta un altro punto di scarto tra il pensiero cinese e quello occidentale. In Cina esiste un concetto che significa energia, soffio, respiro; esiste proprio una fenomenologia del respiro, con una fase di apertura e di chiusura. Per i cinesi il mondo muore e rinasce ogni giorno, e questo segna la continuità del processo: il passaggio è continua transizione. La forza della Cina è che sa fare come noi, ma anche altrimenti, accogliendo, in armonia, l’esterno. L’Europa pensa alla percezione, la Cina percepisce e repira.
E su queste suggestive considerazioni e approfondimenti circa la cultura orientale, François Jullien ci saluta, terminando l’ultimo emozionante incontro del primo giorno del Forum 2011.

Laura Ghirlandetti

Da una parte Catterina Seia, dall’altra Jens R. Jenssen. Da un lato il buon insegnamento, dall’altro il giusto esempio. Attraverso il loro contributo durante l’incontro Dalla sponsorizzazione all’apprendimento si è cercato di dare risposta ad alcune domande che tornano sempre più spesso nei dibattiti contemporanei: come è possibile conciliare gli investimenti in arte di un’azienda con il suo core business? Le imprese sono in grado di valorizzare tali scelte?
Nel lavoro effettuato da Catterina Seia, cultural manager, e da Jens R. Jenssen, Direttore HR di Statoil, c’è un punto di partenza comune: l’ascolto. In entrambi i casi, infatti, si è data grande attenzione alle impressioni e alle sensazioni di coloro che vivevano la realtà indagata: da un lato le istituzioni culturali, le fondazioni e tutti gli stakeholder che gravitano intorno al mondo delle sponsorizzazioni, dall’altro i dipendenti della Statoil company.

La Dott.ssa Seia si è resa l’illustre portavoce del X Rapporto Sponsorizzazioni del Giornale dell’Arte; sono stati ascoltati per cento ore i decisori degli enti territoriali (Ministero, Amministrazioni locali, istituzioni culturali di diverso tipo) per comprendere come la rete dei loro rapporti si stesse evolvendo e quali potessero essere le difficoltà nel percorso di cooperazione. Dalle cento ore è emerso come il concetto stesso di sponsorizzazione stia scomparendo, per fare posto a nuove forme di cooperazione; è emersa anche la necessità di una progettualità di lungo periodo non incentrata esclusivamente sulla comunicazione esterna e sul fund raising, ma nell’ottica di esperienze nuove di contaminazione proficua.
Catterina Seia ha citato il Fedro di Platone e ha reso così ancora più evidente la necessità di unire le forze per uno scopo che deve farsi comune: “ Il raccolto sarà abbondante solo se il solco è diritto, se i due cavalli che trainano l’aratro marciano alla stessa velocità.”. In un momento delicato e difficile come questo, bisogna ripartire dal basso per rifondare una partnership che non sia solo accessoria, ma che sia il prerequisito dal quale evolversi. La trasformazione è già in atto, ma la Dott.ssa Seia non ci ha rasserenato e ha sottolineato come tale progetto sia di complicata realizzazione. Entrambi i cavalli hanno un ruolo attivo e solo lavorando insieme potranno svolgere il lavoro al meglio. Le energie ci sono tutte, bisogna saperle sfruttare. “Gli investimenti non devono essere solo di denaro, ma di significato”, e noi siamo alla ricerca di questo significato che insieme alle arti sia capace di farci fare il salto di qualità. Questo è il momento di aver coraggio e di puntare sugli asset immateriali come l’immagine, i valori, la reputazione e le relazioni.

Chi di questi insegnamenti ha fatto tesoro è sicuramente Jens R. Jenssen. In Statoil ha voluto mettere sotto il dipartimento di Risorse Umane l’Art Programme, integrandolo così nel core business aziendale. Scelta azzardata, ma sicuramente vincente. La multinazionale norvegese impegnata nel campo della produzione energetica, dopo aver per anni collezionato opere d’arte, è giunta nel 2008 a mettere in discussione il valore del lavoro di raccolta; gli stessi dipendenti hanno sottolineato come il lavoro di collezionismo e di esposizione delle opere fosse troppo lontano dalla loro quotidianità e poco funzionale per il loro lavoro. Consigliati da critici, collezionisti e curatori di altri Art Programme aziendali, i manager di Statoil hanno scelto di riprogrammare il proprio programma artistico concentrandosi sull’apprendimento. Come afferma Jens R. Jenssen: “ The challenge isn’t buying and showing. It’s learning.”. L’arte quindi come fonte di apprendimento e coinvolgimento profondo delle persone dell’azienda. Jenssen non si ferma qui e continua a investire in arte contemporanea, in artisti viventi di grande qualità, in fotografie e in video installazioni. Attraverso l’esposizione pubblica e la comunicazione delle opere si può portare avanti un progetto di apprendimento che non si arresta alla singola azienda. “Learning and creativity is key to the future of Statoil.”. L’apprendimento e il dialogo tra le varie culture diventa la vera e unica sfida che l’arte deve saper affrontare per sviluppare un’apertura mentale a tutti i livelli. L’Art Programme per farsi strada deve insinuarsi nelle teste dei leader e da qui ripartire per raggiungere il dialogo necessario a un’implementazione di tutta la catena aziendale.
Una nuova frontiera? L’art offshore, ossia portare l’arte sulle piattaforme petrolifere dove finalmente si potranno raggiungere tutti i livelli di integrazione. Arte visiva, letteratura, musica, architettura, design e gastronomia: in fondo la stessa consapevolezza di un bello per tutti.

Si è dunque parlato di arte, di aziende, ma soprattutto di persone che credono fermamente nella possibilità di ricercare una forza comune che possa legare due mondi all’apparenza lontani. Così lontani che mai ci sono apparsi tanto vicini.

Benedetta Marchesi, Elena Sabattini

Intervista di Ginevra Are

Intervista di Paolo Antonini

Intervista di Monica Loffredo

Intervista di Benedetta Marchesi

19.15: La platea del teatro dell’arte comincia a riempirsi nell’attesa dell’inizio della lecture. Ad accogliere il pubblico il benvenuto di Chris Bangle disegnato sulla lavagna già predisposta sul palco.

19.37: Le luci si spengono e parte la presentazione. Una serie di foto vengono proiettate al ritmo di un battito cardiaco: Imparare il Presente. Leonardo Previ dà il benvenuto alla lecture di chiusura del Forum.

19.45: Sono doverosi i ringraziamenti a coloro che hanno reso possibile l’organizzazione di questo evento.

19.50: In che modo il pensiero visivo può aiutare il mondo degli affari? Stasera risponderà a questa domanda Chris Bangle in un discorso articolato in due parti, prima con le parole e poi con le immagini. Sale sul palco Chris Bangle.

19.55: “Designing the Present”. Non si deve accettare una sola condizione, ma cercare di avere tutto. In poche parole “botte piena e moglie ubriaca”.

20.00: Il Design è una grande lavoro non solo di progetto ma anche e soprattutto di comunicazione. Comunicazione tra manager, comunicazione tra colleghi e comunicazione con gli oggetti. Il coinvolgimento tra tutte le parti interessate è fondamentale.

20.05: Non è obbligatorio realizzare un solo risultato, se ci sono molteplici potenzialità bisogna cercare di perseguirle tutte.  L’Arte è rappresentazione e integrazione di noi nel mondo.

20.10: L’atto di disegnare è importantissimo. Attraverso il disegno ci si allena all’osservazione del mondo e si conserva una memoria di qualcosa che non sarà mai possibile fotografare. Chris proietta immagini dei suoi schizzi che rendono perfettamente l’idea di come il disegno sia parte della sua vita e mantenga costantemente animata la sua immaginazione.

20.15: Non c’è disegno nella comunicazione interna delle aziende. Nel business bisogna essere in grado di vedere anche il “negativo” del disegno, quello che non c’è, che va al di là. Attraverso l’esercizio dell’osservazione si possono cogliere le opportunità.

20.20: La comunicazione è fatta di vari momenti: illuminare (descrivere, spiegare), dire (informare), intrattenere (coinvolgere), esercitarsi (mettere in pratica). Nel disegno c’è tutto questo. La tradizione di usare i disegni per comunicare è propria dell’uomo sin dalla preistoria. Attraverso la comprensione dei simboli che ci circondano possiamo instaurare un collegamento o una connessione anche quando ci troviamo in nuove situazioni.

20.30: Quando le parole diventano troppo difficili, il disegno viene in aiuto. Un bozzetto spiega in maniera molto più diretta quello che è un concetto molto complicato e lo fa in modo rapido. Le parole non sono il solo strumento.

20.31: Attraverso la metafora visiva si può spiegare e rendere nel concreto la complessità (come la creazione di una macchina).

20.32: Tramite il bozzetto si può far capire anche ciò che è davvero significativo… non ci vuole tanto!

20.34: Si crede che solo tramite la scrittura e la lettura si possa essere “qualcuno”, ma il disegno è fondamentale per il futuro sia all’interno di un’azienda, che nella nostra vita quotidiana. Per importare un concetto, un’idea, si possono utilizzare i simboli, le metafore, ma soprattutto i disegni che sono in grado di riassumere tutto ciò.

20.36: Nel processo di creazione bisogna cercare di unire “ciò che si deve fare” a “ciò che si può fare” a “ciò che si vuole fare” e a “cosa si dovrebbe fare”. Nel futuro le cose che si devono fare saranno sempre di più ma si dovrà cercare di trasformare tutto in ciò che si vorrebbe fare. Lo stesso concetto può essere espresso attraverso la semplicità di un bozzetto, di uno schizzo oppure attraverso un grafico (molto più usato dal mondo del business) ma molto più complesso e di difficile comprensione.

20.42: E ora un breve filmato sulla presentazione di un nuovo modello di auto che comporta grandi risparmi in termini di benzina e CO2 ma che nessuno crea, perchè si è sempre troppo innamorati del passato, dell’estetica e del bello. Perchè non cambia la situazione? Perché dentro di noi c’è un cane che ci dice “stop” e vive su un mare piatto che ci impedisce di cambiare per tre motivi: non si fa perchè mai visto prima, mai fatto e mai funzionerà. Bisogna “ammazzare” questi cani, ricordandosi che tutta la comunicazione che si deve fare, deve permettere di intrattenere ed esercitare.

20.48: Ricordatevi: si può avere sempre tutte e due le cose: botte piena e moglie ubriaca!!!

20.49: Previ interviene e si concentra sul termine “practice”:  di base tutti possono disegnare, non si può dire di “non essere capaci”.  Bisogna sempre provarci, proprio attraverso l’esercizio, tramite la prova ci si può arrivare.

20.51: Bangle: se noi non vogliamo il cambiamento, allora esso non c’è. Molto dipende dalla volontà, dal coraggio!

20.58: Il design automobilistico è dato dall’interazione tra diversi elementi e si misura dall’amore che si mette nel fare le cose. Il vero design automobilistico è la Tour Eiffel (un prodotto bello, funzionale, uomo e donna, pulito, cromaticamente perfetto).

21.05: Per innovare bisogna avere “mind set”, ovvero uccidere il cane, costruire una piramide e piazzarsi alla cima della stessa per approfondire il proprio punto di vista dall’alto. In basso abbiamo il “che cosa”, al secondo livello della piramide possiamo trovare il “come”, la punta invece rappresenta il “perchè”. E’ al vertice che bisogna guardare per trovare la soluzione più semplice.

21.09: Dal pubblico arriva una domanda sul mercato automobilistico che sembra spostarsi sempre di più a est. Il mercato va dove c’è possibilità di sviluppo, dove ci sono persone pronte a impegnarsi.

21.12: C’è bisogno oggi di trovare una nuova ispirazione. E la nuova ispirazione si trova solamente se ci si permette di sperimentare. Bisogna trovare il nuovo mind set necessario al cambiamento.

21.16: L’ultima domanda dal pubblico riguarda come Chris Bangle è arrivato a sviluppare il progetto di “Gina”, la concept car in tessuto che ha realizzato per BMW.

21.19: Chris conclude il suo intervento e lascia la parola a Previ per le conclusioni. Cosa ci lascia questo incontro? Un’idea semplice ed efficace: se i manager vogliono arrivare al cuore delle persone, all’interno della loro azienda e all’esterno per comunicare le loro idee, il disegno può essere lo strumento.

21.23: Grazie a tutti per aver partecipato, inviateci i vostri feedback per permetterci di organizzare una nuova edizione.

h. 15:31
L’incontro Cultura di massa e cultura d’élite comincia con la consueta accordatura di pensiero.
Seguiamo insieme l’incontro con Antonio Ricci, Carlo Guglielmi, Elena Miroglio, Ramin Bahrami e Severino Salvemini in veste di moderatore.

h. 15:40
Oggi cercheremo di parlare della contemporaneità delle arti e come queste possano essere utili al mondo delle imprese. (Salvemini)

h. 15:45
” Il contemporaneo… che fatica? ”
Mc Luhan diceva che l’artista contemporaneo è “un’onda di senso”; la classe borghese dovrebbe essere capace di cogliere queste onde di senso, proprio per la capacità profetica degli artisti contemporanei di anticipare cambiamenti e crisi. (Salvemini)

h. 15:53
Vediamo due estratti del film “Dove vai in vacanza?” (1978), di Mauro Bolognini con Alberto Sordi.
Scena del concerto di musica contemporanea:
“che stanno ad accordà gli strumenti?”
“e quando sonano?”
“e non lo so, adesso suoneranno..”
fatevi due risate! http://www.youtube.com/watch?v=PD8-fnyOj3o

Scena della biennale di Venezia:
“aò, ma qui non c’è un cazzo da vedè.”

h. 15:57
Può esserci fruizione di massa con un linguaggio qualitativo? Il prototipo viene ucciso dalla serie? E’ possibile far coesistere lo sperimentale con il commerciale o rischiamo di uccidere la creatività?

h. 16:02
” Cultura d’avanguardia o sottocultura? ”
Antonio Ricci, autore di Striscia la Notizia. Com’è possibile rinnovare un prodotto come Striscia? E come il rinnovamento nasce dal recupero di fonti non scontate, che sicuramente provengono dalla sua cultura e dalla sua esperienza?

h.16:08
Vediamo una rassegna di trasmissioni dirette da Antonio Ricci, dal 1981 al 2011: “te la dò io l’America”, un Beppe Grillo giovanissimo, la portinaia di Umberto Eco, Casablanca a colori ed ovviamente Ezio Greggio, Iacchetti e Tapironi d’Oro… Grandi successi popolari e commerciali. Linguaggi, stacchetti, musiche e inviati richiedono un gran numero di lavoratori nel backstage.

h. 16:14
Antonio Ricci: per me la miglior fonte d’ispirazione è la strada, ci dà la notizia e ci pone tra la gente. Diversamente dalla piazza, fonte di retorica, la strada è fonte di conoscenza. La scrivania stessa di Striscia rappresenta una strada.

h. 16:17
Antonio Ricci: Striscia vuole essere la cura omeopatica ai telegiornali – che non sono le finestre della verità sul mondo che dicono di essere, ma il pulpito del pensiero del giornalista di turno.

h. 16:21
Antonio Ricci: solo con il successo (che permette l’emancipazione economica) si acquista la libertà.

h. 16:31
Bahrami e Bach: un vero colpo di fulmine.
” … e se non ti prendo troppo a freddo, ti chiederei di suonarci qualcosa.”
Ramin si alza, cammina verso il pianoforte vicino al tavolo dei relatori, un passo indietro a prendere l’applauso del pubblico e poi via. Si siede e, semplicemente, lascia che le dita danzino sui tasti.

h. 16:34
Ramin Bahrami: la bellezza di Bach è che riesce a stare al di fuori dalle categorie e dalle epoche. Sono d’accordo con Antonio Ricci quando dice che la scuola deve educare i ragazzi alla musica, alla cultura. Mi sento in dovere di denunciare chi sta al potere in Italia e tralascia l’importanza della cultura.

h. 16.38
Come fa Bach ad entrare nelle hits di musica pop (come è successo con “L’arte della fuga” interpretata da Bahrami, 2007) ?
I greci consideravano gli uomini che non amavano la musica animali. La musica, il ritmo, è nella natura umana: se la musica è ben organizzata, non può non toccare l’animo. A Bach sarebbe piaciuto essere in classifica con Lady Gaga: ha avuto 20 figli, amoreggiava in chiesa, beveva vino… non era una statua egizia (!).

h.16:46
“La cultura rigidamente industriale del Gruppo, così legata all’idea dei “grandi numeri”, porta i dirigenti delle società a scelte strategiche che si rileveranno profondamente errate e dannose perchè lontane dal connubbio vincente tra vetro e design. ”
FontanaArte.it

Carlo Guglielmi: le aziende sono forti se c’è la qualità, non la quantità. Siamo tornati ad una produzione che partisse da un progetto com’era al tempo di Gio Ponti, fondatore, abbandonando le dinamiche quantitative della multinazionale. Insieme a grandi artisti abbiamo invitato giovani designer ancora sconosciuti in nome appunto di una cultura di qualità e di opportunità.

h. 16.50
Carlo Guglielmi: modestia è cultura,  è sapersi mettere in discussione. Se vogliamo crescere, dobbiamo farlo all’interno della cultura del dubbio; le certezze non soddisfano e non producono qualità.

h. 16:52
Carlo Guglielmi riguardo INDICAM, Istituto di Centromarca per la lotta alla contraffazione: i contraffattori non sono solo cinesi, sono presenti in confindustria, in numerose aziende in cui ho lavorato. Il made in Italy non è sempre sinonimo di qualità: qualità vuol dire assumere e lavorare con persone che vogliono coltivarsi e migliorare attraverso la cultura del dubbio, che dev’essere coltivata nelle scuole insieme alla cultura della storia e la cultura della speranza. Non sono antitetiche ma vicine e vincenti per risollevare il nostro Paese.

h. 17:00
Elena Miroglio, Miroglio Group: mentre in altri settori abbiamo fenomeni di localizzazione (es. McDonald e Gualtiero Marchesi), nell’ambito dell’abbigliamento prevale l’omologazione. Nella nostra azienda cerchiamo una distintività, un recupero dell’originalità che non pensiamo sia in contrasto con il prodotto di massa.

h. 17:04
Abbiamo iniziato dai contenuti, ovvero con i concetti di marketing e d’ intuizione: saper leggere i bisogni delle persone, delle nostre clienti, a partire dal marchio più conosciuto ossia Elena Mirò.

h. 17:06
Salvemini: se lei avesse a disposizione una giornata con Ricci o con Bahrami, potrebbero darle idee stimolanti per un tailleur o coprispalle?
Elena Miroglio: nella moda oggi non si parla più di brand ma di “brand experience”, le nostre clienti non vogliono più solamente un prodotto ma un’esperienza; sicuramente la televisione e la musica potrebbero essere d’aiuto.

h.17:09
Salvemini pone la stessa domanda e Carlo Guglielmi, che risponde con una battuta: ”Possono fare una lampada!
A parte gli scherzi, qualsiasi nostro prodotto è risultato della nostra cultura prima ancora che del sistema industriale. Dobbiamo pensare al passato, rifletterci sopra ma con lo scopo di dare vita poi a vere innovazioni che siano funzionali a risolvere i bisogni attuali.”

h. 17:12
Elena Miroglio presenta un suo progetto per la prossima stagione: tre artisti contemporanei stanno realizzando dei disegni seguendo un processo creativo diverso dal solito. L’artista entra infatti direttamente nella catena di produzione: il know-how dell’azienda si unisce così all’ispirazione propria del mondo dell’arte. Spesso l’arte viene utilizzata in azienda solo in ambito comunicativo e per una questione d’immagine; Miroglio Group cerca invece di considerarla come strumento di arricchimento direttamente dall’interno.

h. 17:16
Antonio Ricci: nessuna mia trasmissione avrebbe avuto luce se mi fossi fidato del marketing…

- – domande – -

h. 17:23
Leonardo Previ: la rassegna dei suoi video è caratterizzata da un filo conduttore, le risate finte…
Antonio Ricci: io uso risate finte schifose, per ottenere un effetto straniante, che ricordi al pubblico che nulla di ciò che vedono è vero e che tutto è finzione. Santoro fa del pathos; noi facciamo varietà, non verità e lo ammettiamo.

h.17:30
Salvemini: La coniugazione di cultura di massa e d’élite è possibile se entrambe si impegnano a creare secondo criteri di qualità ed artigianalità e se i manager lasciano lavorare con tolleranza il creativo. L’importante è che questa qualità si riesca a coniugare col mercato per creare qualcosa che abbia valore estetico ma anche margine.

h. 17:34
SORPRESA!
Patrick Tuttofuoco, Marco De Guzzis e Stefano Cardini entrano nel Salone d’Onore de La Triennale per esporre l’opera d’arte collettiva creata stamane nel Teatro dell’Arte durante il Workshop “Raccontare il presente”.

10.47: Dopo un’introduzione musicale a ritmo di jazz, prende la parola Valeria Cantoni per presentarci il primo seminario di oggi.

10.54: Che cosa significa portare degli artisti in azienda? Tante sono le aree che andremo a indagare: sviluppare il brand e i prodotti, dare consulenze qualitative, ma soprattutto aiutare l’azienda a risultare più omogenea rispetto al territorio in cui opera.

11.01: Alvise Chevallard ci parla dell’impegno di Artegiovane, associazione no profit nata per promuovere la creatività giovanile e attiva anche nel campo dei rapporti tra impresa e arte. L’obiettivo è realizzare un grande convegno a Torino sul ruolo che gli artisti possono svolgere in azienda.

11.05: Sergio Enrico Rossi. Anche la Camera di Commercio di Milano ha deciso di portare l’arte in azienda, investendo grosse cifre a sostegno di istituzioni culturali e di processi artistici. Non dimentichiamo che a Milano il boom economico è nato grazie alla commistione di arte, design e industria. Oggi a Milano ci sono oltre 21.000 imprese attive in campo culturale.

11.10: La Camera di Commercio collabora con Artegiovane per creare delle residenze per giovani artisti in vista di Expo 2015, e con Art for Business per capire come gli artisti possano essere inseriti in azienda.

11.21: Valeria Cantoni. Gli artisti possono portare in azienda un modo di pensare differente, soprattutto coraggioso.

11.23: Botto & Bruno ci raccontano il loro progetto per Ecotermica: la realizzazione di una facciata esterna. Fondamentale per loro è stato creare un’architettura inedita, ma capace di mettersi in rapporto con il territorio e di evocare nelle persone che lavorano in azienda una sensazione di familiarità. Evitare di cadere nel decorativo per creare un dialogo con le persone.

11.31: Le istituzioni hanno sempre paura che gli artisti possano fare un lavoro troppo forte, che poi non venga accettato. Se gli artisti non si comportano con superiorità, ma si pongono ad un livello di dialogo con le persone, il loro lavoro verrà capito e apprezzato molto più facilmente.

11.37: Maurizio Cassano. Ecotermica non voleva un’iniziativa calata dall’alto, da un privato, ma condivisa con il territorio. Tutte le associazioni territoriali sono state coinvolte nel percorso che ha portato alla scelta del lavoro di Botto & Bruno per la riprogettazione della centrale.

11.47: Sempre Maurizio Cassano. Dopo un iniziale scetticismo anche i lavoratori di Ecotermica si sono resi conto che la qualità dell’ambiente era migliorata.  Il successo dell’iniziativa spingerà l’azienda a proseguire in questa direzione.

11.53: Valeria Cantoni sottolinea due temi, quello delle alleanze  e quello dell’ascolto. Elementi di cui un progetto di successo ha assoluto bisogno.

11.56: Catterina Seia. L’arte non serve a coprire brutture. Il rifacimento di un edificio è diventato occasione per realizzare qualcosa di più grande: comunicare con il territorio,  stimolare la narrazione, parlare di sé.

12.04: Importanza di scegliere le persone giuste per il posto giusto, avere ipotesi di indagine che poi si possono anche modificare, conoscere i benefici ed i rischi che si possono creare, avere coinvolgimento e mobilitazione. Solo se questi presupposti iniziali ci sono e c’è consapevolezza, si creerà un percorso virtuoso. L’arte non deve essere decorativa, ma trasmettere messaggi consistenti, il che non significa che non ci faccia anche sognare.

12.11: Oggi siamo abituati a vedere le opere d’arte preconfezionate nei musei, dimenticandoci che il lavoro degli artisti è nelle strade e nella quotidianità.

12.15: Valeria Cantoni. Non basta mettere un artista in un’organizzazione perchè accada qualche cosa di positivo, anzi il rischio è che si crei un effetto opposto. La prima cosa da fare è abbattere il muro che le persone creano istintivamente, spingendole a farsi delle domande, ad aprire la finestra e a vedere cosa c’è dall’altra parte. Solo a questo punto potrà avvenire una contaminazione tra vita, esperienze e competenze.

12.23: E’ ora il momento di domande e interventi.

INSTABILITA’ – CORAGGIO – DETTAGLIO – PIACERE – MALINTESO – GIOCO

Pensieri che nascono dalle parole degli artisti… pensiero musicale, accordature del pensiero, musica jazz per stressare al massimo la relazione tra esecuzione ed improvvisazione, stesso brano suonato in modo differente e improvvisato.

15: 50: Vibrafono e sax… saliscendi emotivi su note serpeggianti.

15: 55: Cesare Pietroiusti sulla parola Piacere. “Sono un purè di fave”, sono una materia omogenea, sensibile, pronta a rispondere ai cambiamenti, “come conosco il mio creatore? Parlare è il modo che Giovanni ha di prepararmi, io sono il discorso di Giovanni.” La prossimità alla fine ha a che fare con l’intensificarsi del piacere, “il mio creatore non si curi più del problema del bisogno”: la fame! Freud: desiderio stai male, mangi stai bene… ma non è solo libertà dal bisogno… atarassia, secondo Giovanni c’è un solo modo per sentirsi liberi dalla fame, bisogna saperla modulare, saperne fare qualcosa, la fame è utile!

16:05: L’uso dei desideri è forse una formulazione del piacere; piega tra la tensione del desiderio e la scarica che segna la fine del piacere, il piacere sta tra il bisogno e il destino, energia vitale e morte come elementi di senso, ma meglio dire sensi, pre e post simbolici, forse che spingono e tirano e formano una cosa chiamata vita. Jung dice che i piaceri non sono beni accanto ad altri. La sospensione del tempo empirico,  consapevolezza del tempo. Lavoro come pratica della sospensione e non è solo vita di linguaggio. Il suo lavoro riesce a dare vita a un discorso di corpo, uno stare di cosa, come quando Giovanni lavora.

15: 15: Mauro Sargiani sulla parola Gioco. Le parole sono uno strumento per noi e per gli altri. Tutte le volte che iniziamo a giocare abbiamo anche le parole per nominarlo e il mondo inizia a significare, a parlare con noi e quando si gioca si è assolutamente liberi da ogni gerarchia. Primi ostacoli quando inizieranno ad andare a scuola, dove viene insegnata la norma, la scelta, lo scopo, ma questo fa perdere la musica della parola.

15: 20: Contatto tra la voce, il respiro e il mondo. La musica delle parole rende liberi dal puro stile, così come la prosodia, la musica, il gioco, rendono liberi da ogni gerarchia. Sargiani si sente come un portatore di parola e deve portarla a qualcuno. Il suo maestro è stato Gianni Celati ed è per questo che ha questa consapevolezza e passione che definisce ossessione scrittoria. “Contro il governo dannunziano dello stile super aggettivato, preferisco stare con i Sex Pistols.”

15: 25: Tutta la dimensione dell’esistente va accettata: tutto ciò che vedo lo devo considerare, per questo non elimino parti della realtà solo perchè penso che sia giusto. Se voglio essere libero me ne assumo la responsabilità, sia della mia libertà come quella degli altri.

15: 35: Nel costruire il tavolo che ospita i relatori del Forum, Sargiani ce lo illustra: ha cercato di imprimerci la dimensione del cammino che è anche vicina alla parola. I cassetti colorati contengono un “vocabolario” simbolico: il rosso è il simbolo della forza. Ognuno ha un colore preciso in riferimento ad un senso;  le venature sono ortogonali e vanno per conto loro, poi esiste una pancia del tavolo, un segreto interno, …

15: 45: Gianandrea Noseda ci illustra la parola Dettaglio. Sembrerebbe una cosa piccola, minimale. Per lui che fa il direttore d’orchestra significa prima di tutto vederlo, notare, guardare a fondo le cose. Fare musica è una delle attività più impalpabili ed è un pò come la vita.

15: 55: Mozart, come altri musicisti, prepara spesso il pubblico con un’introduzione lenta; Beethoven non lo predispone, “gli dà tre cazzotti”, fa un gesto perentorio, in parte arrogante, e lo ripete. Davanti  alla quinta sinfonia di Beethoven, “adesso voglio capire lo scopo di questo gesto e a poco a poco mi sono liberato da tutte le convenzioni esecutive.” Ho imparato a stare con Beethoven con quello che ha scritto davvero. Attraverso lo studio del dettaglio, che davvero illumina tutto il resto.

16: 05: Più piccolo è il dettaglio, più merita cure, come un bambino di una settimana; può svelarmi davvero un pezzo, ma bisogna avere il coraggio di dimenticare quello che sapevi di quel pezzo o che davi per scontato. Quando il relatore aveva 21 anni facendo l’insegnante delle elementari ha appreso dai bambini l’attenzione del dettaglio: da Jacopo che guardava quelle formiche che da adulti non si notano più.

16: 05: Il dettaglio infine  presuppone la ricerca, la capacità di stupirsi, diventa un cogliere una possibilità diversa di fare musica.

16.24: Riprende il dibattito. Valeria Cantoni presenta Giorgio Barberio Crosetti, a cui è affidata la parola Instabilità.

16.29: Ma “instabilità” ha un’accezione negativa?

16.34: L’ascolto e l’apertura sono due elementi imprescindibili; il regista deve cercare di capire ed ascoltare ciò che percepisce un attore.

16.38: Una prima definizione di instabilità: è l’essere che è in movimento e che spesso si muove nel testo letterario/teatrale. Ed ecco che questa presenza crea un gioco, che cattura l’attenzione e la reattività degli attori. Gli attori e il pubblico vivono l’esperienza del presente.

16.44: Il teatro è la quintessenza della vita. Partiamo dalle prove: il ricordo di un viaggio in auto ricorda il tempo delle prove. Ma è un viaggio dal futuro al presente, un tempo contrario rispetto alla vita.

16. 48: Occorre trovare ed usare le parole giuste per rimettere in moto ciò che era fermo. Parole magiche, in uno scambio tra stabilità, ciò che si determina, ed instabilità, ciò che si fa andando. Ma è instabile anche colui che fa un salto verso qualcosa che non conosce. Eh sì, instabilità è anche un sentimento di paura che ha a che vedere con il fare, con l’esporsi.

16.52: Nel mondo teatrale, un momento interessante è quello delle “filate”. Nell’esperienza dell’insieme, le scene si aprono ed esplodono, chiarendo delle cose da dentro, lì proprio all’interno della piece stessa. Ancora 20 secondi… “ma è difficile dire qualcosa di intelligente in così poco!”. Arrivederci Giorgio Barberio Crosetti!

16.55: Valeria Cantoni definisce David Riondino, il nostro prossimo ospite, come un artista multitasking. Vedremo come tratterà la parola Malinteso.

16.59: Parente stretto del sottointeso, cugino del frainteso e speculare all’inteso… chi è ‘sto malinteso? Si parla del malinteso nelle questioni sentimentali: una tattica, un modo di darsi una possibilità di spiegare qualcosa a posteriori; è una via di uscita, un’ “emergency exit” da una situazione a volte scomoda. Ecco che David Rondino ricorda il “malinteso” dell’affaire Ruby o la nuova campagna di Benetton.

17.10: Già Eschilo comprese la possibilità di partire da un malinteso per costruire trame letterarie. Ma c’è anche il gioco di malinteso nel genere comico: Benigni e Johnny Stecchino. La vicenda di Federico degli Alberici e il falcone: Boccaccio e il malinteso. Capiamo tutti che la lista dei malintesi in arte, musica, cinema, spettacolo e letteratura potrebbe essere molto lunga. Tanti ingredienti: ambito comico, grottesco, lirico. Ed ecco le note pop di Luigi Tenco e la sua “Angela”, Lucio battisti e i fiori di rosa, De Andrè e “La guerra di Piero”. E come non citare il malinteso di Eros, divinità greca?

17.17: Ecco l’ultimo passaggio letterario preso ad esempio: il Don Chisciotte nella versione di Miguel de Unamuno e poi in quella di Cervantes. Tra le risate del pubblico, la spiegazione del grande malinteso della vita.

17.20: Come chiudere se non con un malinteso? Ecco il riferimento al nuovo lavoro di Riondino, un testo su un Don Chisciotte moderno, condito in salsa picaresca e poi la poesia di Ernesto Regazzoni sulla solitudine dell’animale più solo che esista: è il verme solitario!

17.25: Una donna e il Coraggio: è con noi l’architetto Odile Decq, accompagnata dalla sua interprete. Pronti?

17.30: Ricordo dell’infanzia: i ragazzini e le bimbe a confronto. Ma realmente le bimbe non hanno coraggio? L’uomo non può scoprire nuovi oceani finchè non avrà avuto il coraggio di perdere la costa dalla sua vista. Per quale motivo dobbiamo vivere se tanto abbiamo la certezza di morire? Vivere vuol dire dunque avere coraggio!

17.34: A volte bisogna accettare la possibilità della perdita, del fallimento. Questo coincide con una rimessa in gioco e con l’impegno a vivere definitivamente.

17.36: Odile è una corsara, una delle rare donne architetto, scambiata così tante volte per una semplice segretaria.

17. 42: Si apre un piccolo sipario sull’universo maschile e quello femminile. E’ coraggioso essere sè stessi, fare ciò per cui si è chiamati a fare?

17.48: I giovani e la paura del domani: bisogna avere coraggio per inventare il mondo di domani, per pensarlo, per risolverlo. Dobbiamo sognare!

17. 50: Immaginare, proiettarsi, convincersi che è possibile. Queste le sfide del futuro. L’obiettivo dell’architetto è infondere coraggio ai giovani: non bisogna partire altrove per il coraggio della lotta, ma inventare, trovare una modalità progettuale, un modo di concepire diversamente il mondo.

17.55: Ultimi istanti della nostra chiacchierata con Odile. Il riferimento all’attuale svolta politica in Italia è inevitabile: spetta ai politici farci sognare, i tecnici trovano soluzioni, ma cosa succederà? Questi tecnici avranno il coraggio di andare avanti? Ma serve tutto quest’ordine o abbiamo bisogno della politica? Dobbiamo ritrovarci a combattere, avere il coraggio di inventare, riflettere, proiettandoci nel domani.

APPUNTAMENTO A DOPO, ORE 19, PER LA LECTURE CON JULLIEN! BUON BREAK A TUTTI… e continuate a seguirci con entusiasmo ed energia!

10.16: comincia Art for Business Forum 2011 - Imparare il Presente!

10.18: Cercheremo di capire e codificare le varie forme in cui manifesta il presente per cercare di trasferirlo nella nostra economia e nella vita di tutti i giorni.

10.20: Sarà un’avventura piena di rischi ma siamo pronti. Ci metteremo in contatto con aziende e realtà diverse, ospiti nuovi come Sisal e Miroglio.

10.27: Vari appuntamenti, un programma ricco e denso: dal 6×6 alla lecture di François Jullien questa sera. Domani workshop con l’artista Tuttofuoco, incontro con la Camera di Commercio, dibattito sulla cultura di massa e sulla cultura d’élite e infine lecture di Bangle. A questo va ad aggiungersi il nuovo esperimento “Nuove Visioni”: il percorso condotto dagli studenti della IULM che ci condurranno alla visita, molto particolare, delle due esposizioni in corso a La Triennale, quella sull’Arte Povera e O’ Clock. Inoltre “Accordature del pensiero”, per usare la musica come mezzo per dare un’idea di insieme, per tirare fuori ciò che solo la musica riesce ad estrapolare. Prima di ogni incontro 4 minuti di ascolto dello stesso brano, eseguito da musicisti diversi e composto da Ferdinando Faraò.

10.40: Che cos’è un’organizzazione contemporanea?

Intervengono: Emilio Petrone, Amministratore Delegato di Sisal, Pietro Jarre, Vice Presidente Business Development Golder Associates Corporation e Leonardo Previ, Presidente di Trivioquadrivio.

10.40: La contemporaneità è il luogo della scelta e interpretarla significa dialogare con le opere d’arte contemporanea e dalla parte dell’azienda significa “Time to market”: essere rispondente alle esigenze del momento.

10.44: Petrone. L’artista deve decidere se innovarsi o tenersi legato alla tradizione. Per quanto riguarda la mia azienda innovazione è sempre stata la parola d’ordine, ovviamente cercando di farlo in maniera vincente. Innovare è anche un po’ un dovere e il tutto non deve essere solo legato alle cose che facciamo, quindi al core business, ma cercare di farlo anche nel modo in cui si conduce un’azienda, dal punto di vista della responsabilità sociale. L’abbiamo fatto attraverso “Sisal per le Arti” .

10.48: Jarre. La mia azienda non si pone da sola la domanda “si deve innovare o no?”, ma sono gli stessi clienti che pongono la questione. Il periodo che ci portiamo dietro è stato “di sella”, di stagnazione, oggi invece dobbiamo per forza innovarci anche perchè siamo un paese di inventori. Successo oggi non è solo più il denaro ma si misura sulla felicità dei nostri portatori di interesse. Il denaro è uno strumento intermedio.

10.53: Rampello. Che cosa significa innovare non tanto il cosa, ma il come? Nel momento del cambio del Consiglio D’Amministrazione de La Triennale, si è dovuto reinventare tutta La Triennale. Il come, si fa attraverso un rinnovamento di noi stessi, “il figlio dell’uomo non ha una meta, la tappa non è il fine, ma è il momento”.

10.55: Tutti abbiamo la capacità creativa, ma gli artisti hanno una velocità di mutamento di loro stessi superiore. Hanno una capacità di cambiamento della visione e della sensibilità più rapida; é così che si fa il come.

10.58: Previ. La prima parola su cui riflettiamo è Innovazione, parola non del tutto scontata. La seconda è Felicità, si sente spesso questo termine nelle organizzazioni di impresa. Infine Misurare, la bottom-line (quella linea che si traccia a fine bilancio).

11.00: Petrone. Misurare è un grande metro di razionalità, successo e la bottom-line indica la felicità di un’azienda. Quasi tutti son bravi a rilanciare un’azienda nel breve periodo, ma un’azienda sana si sviluppa nel lungo periodo e solo così può essere considerata felice.

11.03: Per innovare si fa il “cosa”, ma l’importante (anche per più del 50%) è il “come”.

11.05: Previ. Importante è quindi anche il concetto di lungimiranza: uno sguardo profondo. Se non si fanno scelte lungimiranti nell’oggi, si compromette il futuro.

11.07: Jarre. Importante è salvaguardare il carattere e la competenza. La felicità aziendale è data dal prodotto matematico tra carattere e competenza. La sostenibilità di un’azienda si raggiunge quando il suo capitale, anche conoscitivo, continua ad essere consolidato. Noi ci siamo dati una regola: a 65 anni devi vendere le tue azioni, per cercare di creare un ponte tra generazioni.

11.10: Previ. Proviamo a sbagliare, concediamoci il lusso dell’errore.

11.11: Rampello. Felicità da fecondo. Più un’azienda riesce a mettere il dipendente in condizione di esprimere sè stesso, più il tasso di felicità globale si alza. Non bisogna nemmeno dimenticare la memoria.

11.13: Pubblico. Non esiste, per alcuni artisti, l’innovazione: una volta raggiunto l’obiettivo, quello basta. Non c’è spinta all’innovazione.

11.15: Previ. Perchè noi insistiamo sulla creatività? Tutti da sempre dicono che le persone, all’interno di un’organizzazione aziendale, sono importanti, ma poi andando a leggere vedi che non c’è attitudine al concentrarsi sulle persone mentre oggi si sente la voglia di cambiamento che prima non c’era.

11.24: Rampello. Rispondendo ad una domanda del pubblico: all’interno de La Triennale ci sono sempre stati dei grandi imprenditori che si sono intesi sempre molto bene con la sfera degli artisti. Formidabile unione tra le due sfere. Per rispondere all’artista, l’imprenditore (ricordiamo entrambi Uomini) deve tener conto della sua sensibilità. Ognuno risponde con la propria sensibilità alla vita, esprimendo ciò che sente, determina un cambiamento. Come sempre accade, noi abbiamo un senso delle cose molto forte ma poi come sappiamo tradurlo? Si perde poi molto nel tradurre. Il tema del cambiare, dell’innovare, è comunque un tema dell’uomo. Anche se si percepisce un ozio costante, in realtà a sua insaputa cambia. Non sono solo io che faccio la vita, ma la vita fa l’uomo. Occorre stare attenti, in ascolto di sè stessi e delle cose. Siamo tutti in attesa, in tensione costante per il futuro.

11.26: Petrone, rispondendo ad una domanda. Parlare di innovazione si lega anche al concetto di numero, è necessario poi investire materialmente ed avere le risorse utili per farlo. Noi abbiamo creato all’interno della nostra azienda un gruppo che si dedica solo all’innovazione; é importante creare un ambiente in cui l’innovazione, culturalmente, sia considerata come un pregio. Ovviamente bisogna considerare il rischio.

11.28: Jarre. Per innovare bisogna imparare: il tuo errore diventa anche un’esperienza condivisa con gli altri e per l’altro può diventare un punto di forza; é giusto imparare dagli errori. Si cambia imparando. Cambiare e imparare sono due concetti molto molto vicini.

11.30: Previ. Organizzazione contemporanea è: annusare, programmare, inventare, o… ?

11.32: Petrone. La parola principale è inventare per me. Le altre fanno parte del DNA di un’organizzazione.

11.33: Jarre. Innovare è scolpire. Oggi un’azienda ben gestita è quella in cui per ogni nuova regola ne viene tolta una già esistente.

11.34: Rampello. La mia parola è motivare. Ci deve essere un momento in cui è necessario programmare. Si alza ed esce (deve andare !).

11.36: Petrone, rispondendo alla domanda del pubblico: dove va a finire il denaro concretamente una volta che viene destinato all’innovazione. In Sisal si cerca di restituire i profitti conseguiti all’Italia, cercando di aiutare iniziative diverse, anche nell’ambito dell’arte contemporanea.

11.39: Pubblico. Innovazione è evoluzione? Si tende a confonderle, ma la prima è qualcosa di “in” (interno), mentre la seconda è “ex”(esterno). Oggi come viene intesa?

11.40: Jarre. Ci sono due componenti: quella continua, quotidiana e quella improvvisa. Tutto dipende dal clima aziendale. Trovare all’interno, le spinte, la fecondità che permettano alle persone di esprimersi. Occorre comunicare in modo quasi universale e lo possiamo fare attraverso la musica. Noi lo facciamo, raccontando delle storie, cercando di capire se la struttura e il linguaggio della fiaba permetta di raccontare e quindi creare ascolto sostenendo la velocità del mondo e del suo cambiamento.

11.43: Arrivederci al prossimo incontro!

Improvvisazione è per me avere un catalogo amplissimo di soluzioni possibili. Queste soluzioni devono essere nominabili per poterle richiamare e per poterle comporre. Certo, nel mio lavoro l’originalità è una composizione sorprendente di elementi esistenti e che prima neppure guardavo, di cui prima non sospettavo la forza. Però li devo avere. Posso fare un esempio molto pratico: un grande chef cosa fa? Cucina meravigliosamente, quindi è originale. Cosa inventa il grande chef? Un modo sorprendente di fare assaggiare qualche cosa che già esisteva, ma in un modo diverso Non inventa la patata! Inventa un modo assolutamente poetico di utilizzare quell’elemento. E allora dobbiamo fare la spesa. Per me come artista è importante fare la spesa, cioè avere il frigorifero pronto nel momento in cui vorrò inventare. Raccogliere visioni, sensazioni, pensieri. (Laura Curino ad Art For Business Forum 2010)

Quante volte siamo stati insoddisfatti davanti a un piatto mal riuscito? Come abbiamo reagito quando, come un cuoco deluso dalla sua cena, siamo stati scontenti del risultato raggiunto in un progetto? In questi casi ci interroghiamo per capire che cosa abbiamo sbagliato, quale combinazione non ha funzionato. Le domande possono essere tante e le più disparate. Forse una di queste riguarda proprio ciò da cui siamo partiti: di quali strumenti ci siamo dotati prima di iniziare? Il punto, infatti, non è possedere una cassetta degli attrezzi standard adatta per tutte le occasioni, ma piuttosto lavorare per mantenerla sempre viva e aggiornata, valorizzando la varietà dei suoi elementi e soprattutto mettendo sempre in relazione ciò che facciamo con il contesto nel quale interveniamo, dal quale siamo continuamente sollecitati e influenzati. La saggista e critica letteraria Carla Benedetti scrive a proposito dei personaggi di alcuni romanzi contemporanei che “si muovono in uno spazio-tempo oltremodo semplificato, senza batteri né attriti né pidocchi né scariche elettriche, e a cui sono state tolte molte delle relazioni con l’universo, con i fatti fondamentali della vita biologica e con i loro misteri”. Questo è il rischio che corriamo oggi quando perdiamo di vista la relazione con il contesto nel quale ci poniamo, che tende a impoverirsi. Avvicinarsi al modo di lavorare degli artisti, osservando e sperimentando i processi attraverso i quali prendono vita le opere, rappresenta oggi un’alternativa a questo rischio.

Il 26 agosto 2011 la rivista statunitense Science ha dedicato un breve articolo ai risultati di una serie di ricerche universitarie dedicate all’apprendimento mediato dal disegno. Per chi si occupa di organizzazioni d’impresa i risultati di queste ricerche sono di grande interesse: emergono prove evidenti del contributo che il disegno può offrire al ragionamento creativo. Non si tratta di semplice rappresentazione visiva, schizzi improvvisati di cui noi tutti ci serviamo per farci capire meglio dalle persone con cui collaboriamo. In un disegno c’è molto di più: c’è un impiego diverso delle nostra capacità cognitive, complementare all’impegno che ci offre l’argomentazione linguistica.
Disegnare ci aiuta ad apprendere per cinque distinti motivi. Quando disegniamo ci sentiamo maggiormente coinvolti nei contenuti cui ci dedichiamo; rappresentiamo più facilmente concetti difficili da esprimere a parole; ragioniamo meglio sui problemi, perché la mano ci aiuta a riconoscere aspetti che sfuggono al linguaggio; facciamo nostra una “strategia di apprendimento” che riconosce meglio i legami tra i diversi aspetti del problema; comunichiamo meglio agli altri quello che abbiamo imparato.
Nelle imprese si disegna poco perché molti manager considerano il disegno un passatempo da bambini e quando si trovano ad affrontare una difficoltà particolarmente complessa preferiscono mettersi a scrivere. Se vogliamo aiutare le organizzazioni ad apprendere (e se vogliamo che l’organizzazione sopravviva questa scelta è oggi obbligata) dobbiamo aiutare le persone che vi lavorano a disegnare di più e meglio. Drawing for business…

Che cosa accade una volta definito il piano, la strategia? Tutti gli sforzi si concentreranno per realizzare nella pratica ciò che è stato definito a livello teorico. Mentre si procede, si verificano, però, una serie di circostanze che “emergendo all’improvviso, rendono il piano preventivamente stabilito dissonante rispetto al rinnovamento della situazione nella quale mi trovo impegnato”. Come affrontare questi cambiamenti, a volte così inaspettati e repentini? Seguendo il binomio teoria-pratica, al quale siamo legati, l’ideale sarebbe cercare di “far entrare la forma ideale nella realtà”. In altre parole, sforzarsi di trovare i mezzi più adatti, indipendentemente dal fatto che siano giusti o sbagliati, coerenti o meno, per raggiungere l’obiettivo, il fine che ci siamo prefissati per misurarne l’efficacia. Ma siamo sicuri di non avere altre possibilità? Detto altrimenti, è possibile pensare “l’efficacia al di fuori del rapporto mezzo(i)-fine”? Il filosofo François Jullien ne è convinto, portando a esempio il pensiero cinese, che ci offre una visione di efficacia alternativa che fa leva sul concetto di “trasformazione silenziosa”: nell’ottica cinese non occorre forzare l’evento, ma far crescere l’effetto attraverso lo svolgimento. Bisogna valutare di volta in volta la situazione, assecondarla nel suo incedere, non rimanendo ancorati alla logica del modello ideale, ma sfruttandone il potenziale. A questo proposito afferma Jullien: “la grande strategia esclude i colpi clamorosi, la grande vittoria non si vede. (…) Prendiamo quei capi d’azienda a cui vengono eretti monumenti, che sono insigniti a dicembre del titolo di “manager dell’anno”: non è raro che, solo qualche anno dopo, si rivelino protagonisti di disastrosi fallimenti, talvolta con tanto di precipitosa fuga… Ne conosciamo tanti. E invece esistono tanti altri manager di cui non si parla mai, di cui non viene nemmeno in mente di parlare, e ancora meno di tesserne l’elogio in quanto hanno saputo così bene gestire la loro azienda, sfruttandone il potenziale, progressivamente, nella durata, che non sono mai stati spinti a rischiare, tanto che il profitto pare essere venuto da sé, sponte sua”.

Le citazioni contenute in questo articolo sono tratte da François Jullien, Pensare l’efficacia in Cina e in Occidente, Editori Laterza.